Géneros musicales, una aproximación

Soy fanática de la música. No paso un día de mi vida sin escuchar, al menos, una canción. Estoy convencida que todo (TODO) es mejor con música. Cocinar, limpiar la casa, lavar la ropa, bañarse, tomar sol, correr, manejar, “facebookear”, hacer la cola de un banco, esperar en la parada del bondi, pasear a tu perro, esperar que el médico te atienda o que el carnicero cante tu número (el día de descuento, al mediodía y víspera de feriado), incluso la mala noticia es más llevadera si hay una melodía detrás. Por eso hay distintos estilos musicales, uno para cada ocasión (y para cada paladar, de más está decirlo) y acá intentaré hacer un resumen de cada uno de ellos (de los que se me vengan a la cabeza al menos).

Empecemos por definir el término “música” (aunque a mi entender es uno de los conceptos más vagos y subjetivos que hay). Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta. Según la definición tradicional, es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. Por otro lado, hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Finalmente, la definición más habitual en los manuales de música dice que música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo.

Ahora pasemos a dar una breve referencia de algunos de los ritmos musicales que conocemos (de mis preferidos ;).

Rock and roll, o meramente rock, es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense (rhythm and blues, soul, hillbilly, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950, siendo su cantante más influyente Elvis Presley y su banda más influyente The Beatles.

Del rock and roll nacieron distintos subgéneros como el rockabilly, doo wop, o el hard rock, también el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el glam.

En los años 50 y 60, además de Elvis Presley y The Beatles, se destacan: The Beach Boys, Rolling Stones, Bob Dylan (uno de los artistas que da nacimiento al folk rock, que combina elementos de música folk –tradicional- y de rock), The Doors, Pink Floyd (quien da surgimiento al rock sinfónico –estilo musical surgido a partir de mediados de los sesenta que pretende explorar nuevos caminos musicales, mediante la combinación creativa de elementos de la música docta (mal llamada música clásica), la psicodelia y el hard rock-), Jimi Hendrix, Eric Clapton, Neil Young y Led Zeppelin.

En los años 70 se destaca Queen, quien sale a la fama con el hard rock, opera rock y pioneros del glam rock (rock básico derivado del rock de los años 50, al que añadieron más decibelios y lo combinaron con el mejor pop de los años 60).

También, en esta época, hubo una ola de hard rock encabezada por Aerosmith, Kiss y AC/DC entre otros. Este género surge principalmente del rock and roll y del blues rock, aunque también proviene del garage rock, blues, rock psicodélico y country, aunque desde diferentes puntos de vista, eliminando elementos y añadiendo otros que diferencian a los distintos géneros. Sus canciones suelen estar en una tonalidad mayor, con un uso maestro de las tonalidades menores y los acordes tradicionales se sustituyen a menudo por acordes de quinta. Los efectos de distorsión de las guitarras cobran protagonismo, la batería puede alcanzar un rango de 100-150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual. El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, tanto como la letra y la melodía de la voz.

En los 80 surgen bandas como R.E.M. y Red Hot Chilli Peppers, abrazando el rock alternativo. Este término hace referencia a un conjunto de géneros de rock que nacieron en los años 80, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de ellos desde entonces. El rock alternativo se ha definido desde sus inicios por su rechazo al mercantilismo de la cultura establecida. Los grupos alternativos de los 80 actuaban en pequeños clubes, grababan en discografía independientes y eran conocidos por sus seguidores a través del boca a boca. No es un estilo musical como tal, si no una denominación muy amplia.

En esta década también encontramos a Guns n’ Roses, banda partidaria del hard rock.

En los años 90 el grunge hace explotar la escena musical de la mano de bandas como Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, Soundergarde, Garbage, etc. El grunge es un subgénero del rock derivado del indie rock y del rock alternativo influenciado por el noise pop, tomando sonidos cercanos al hard rock, el punk y el hardcore punk y con estructuras cercanas al pop rock clásico. Surgió con grupos provenientes, principalmente, de Seattle, EEUU, por lo que algunos llaman a este estilo como sonido de Seattle. Las características distintivas eran sus guitarras fuertemente distorsionadas y enérgicas, melodías vocales muchas veces pegadizas y repetitivas así como los cambios de ritmo de las canciones encuadradas dentro del género, mientras sus letras se caracterizaban por reflejar apatía y desencanto. Los álbumes Nevermind de Nirvana y Ten de Pearl Jam ayudaron a expandir a nivel mundial este estilo, haciendo del grunge el género de hard rock más popular de ese tiempo.

También en esta época surge el pop punk, con bandas como Blink 182, The Offspring, Green Day, entre otras. Este estilo proviene de la abreviatura de “popular punk”, es decir, música punk que deja la esencia del punk y su actitud, y se populariza en un ámbito más abierto, y a un amplio sector de público, con letras ligadas a temas adolescentes (amoríos, rebeldía, chicas, escuela).

También surge en esta época una banda que influyó enormemente el mundo de la música, Radiohead, lanzando su álbum Ok computer, considerado uno de los mejores de la década. Esta banda influyó, ya en el año 2000, en Coldplay, Muse, 30 Seconds to Mars, Incubus, más partidarias del pop rock alternativo (también conocido como soft rock). Éste, es un género que combina elementos del rock con melodías suaves generalmente. Las canciones son identificadas por ser de estructura simple, melodía pegadiza y repetición del coro o estribillo y por usar como base instrumental la guitarra eléctrica y el teclado.

Por otro lado, y ya alejándonos del rock y sus derivados encontramos un género más que interesante, el rhythm and blues (o R&B), conocido también como música negra norteamericana. Es un género derivado en su origen del jazz, el gospel y el blues y fue el predecesor del rock and roll. Los subgéneros que derivaron de este estilo son: rhythm and blues clásico, quiet storm, new jack swing, rhythm and blues mainstream (que fusiona el R&B con el hip hop y sus principales expositores son Mariah Carey, Aaliyah, Rihanna, Usher, Beyonce, Timbaland) y el neo soul (que fusiona el R&B con el soul clásico y tiene como figuras a Alicia Keys, Lauren Hill y Mery J. Blidge).

Luego tenemos la música country. Estilo surgido en los años 20 en las regiones rurales del sur de los Estados Unidos. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El término country comenzó a ser utilizado en los años 50 en detrimento del término hillbilly, que era la forma en que se lo conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso en los 70. El country tradicional se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro o la steel guitar.

En la década del 50 la música country adquirió elementos del rock and roll (el vigoroso rockabilly) de Elvis Presley, entre otros.

Finalmente, hoy en día, bajo el término country se engloba ritmos como el sonido de Nashville, el bluegrass, la música westerns, el outlaw country, gospel, oldtime, rockabilly y country neo-tradicional.

Seguidamente tenemos el reggae, género musical de origen jamaicano. El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de raggamuffin, que en inglés significa literalmente harapiento. Otras fuentes señalan que el término reggae proviene de una canción de The Maytals, llamada “Do the reggay”, en la que la palabra “reggay” significaría “regular”, es decir, gente común y corriente.

El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como “beat”, y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás.

Al reggae se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. El reggae nunca formó parte del orden ceremonial de la iglesia rastafai, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.

Su intérprete más conocido es, como todos saben, Bob Marley.

Esta música frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas.

Por otro lado encontramos la música folk, tradicional, folclórica o típica. Es la música que se transmite de generación en generación como parte de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que normalmente la hace fácil de comprender a escala internacional.

A contraposición de la anterior, encontramos la música popular, que es un conjunto de géneros y estilos musicales que no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se comercializan y difunde gracias a los medios de comunicación de masas.

Brevemente, puede decirse que la música popular surge en Europa con la llegada de la Revolución Industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media.

Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando la música popular alcance realmente la divulgación que tiene hoy en día gracias al desarrollo del rock and roll y a la popularidad que alcanzaron las gramolas (rockolas) en los bares, pubs, cafeterías y restaurantes.

Una forma de este género es la música pop que, al margen de la instrumentación y tecnología aplicada para su creación, conserva la estructura formal “verso – estribillo – verso”, ejecutada de un modo sencillo, melódico, pegadizo y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes diferencias con otros géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas. Este género es de lo más variado y entre las clasificaciones más conocidas y aceptadas encontramos el indie pop, pop comercial, pop electrónico y pop tradicional (es aquel que se ha generado con la estructura musical tradicional: voz, bajo, batería y guitarra, entre otros instrumentos que den una gran sencillez y que al público le agrade para lograr un gran éxito).

Por otro lado también encontramos el término indie, que proviene del inglés independent, y se refiere en general a cualquiera de los géneros, panoramas, subculturas y atributos estilísticos y culturales, con un acercamiento autónomo y un nivel de planteamiento que se reduce al lema “hazlo tú mismo”.

Este término originalmente está ligado a las condiciones de producción y circulación de su obra, refiriéndose a aquellos músicos que producen su obra de manera independiente y no a un género musical.

También encontramos la música beat, que es un género nacido en el Reino Unido a principios de los años 1960. Los instrumentos habituales de la música beat son la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico y la batería y su sonido se caracteriza por una sincronización de estos dos últimos. La parte vocal puede recordar al Doo wop (estilo musical derivado del R&B, donde las bandas cantan a capella interpretando ellos mismos los instrumentos como el bajo y acompañando con armoniosos coros la voz del cantante principal) con coros repitiendo sílabas sin significado, pero a diferencia de este género, los falsetes y los tonos demasiado graves no son habituales. Sin duda la banda más característica de este estilo fue The Beatles.

Seguidamente voy a hablar de la bossa nova, que es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Río de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como “el ritmo nuevo” o “el camino nuevo”.

La bossa-nova se toca normalmente con guitarra clásica, cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa). En su forma más pura basta con la guitarra sin acompañamiento y la melodía cantada.

Aunque no sea tan importante como la guitarra, el piano es otro de los instrumentos que se usan en la bossa nova. El piano ha servido también como puente estilístico entre la bossa-nova y el jazz, permitiendo que estos dos géneros se influencien el uno al otro.

Un instrumento que marcó a este género y le dio la particularidad de su sonido, fue el cavaquinho; es un instrumento portugués, en forma de guitarra pero mucho más pequeño, que muchas veces se ve como protagonista de solos.

Algunos de los principales expositores de este estilo son: João Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Astrud Gilberto, Vinícius de Moraes, Os Cariocas y Tinquinho.

Esta fue una breve referencia a algunos de los géneros musicales que invaden nuestra vida, sólo algunos, los que despiertan mayor curiosidad en mi.

Fuente: wikipedia.org

Pearl Jam, el origen

Pearl Jam es una banda de rock procedente de Seattle, Estados Unidos, y una de las líderes del movimiento grunge a principios de la década del 90. A esta altura Pearl Jam sigue firme en el mundo de la música con más de 15 años de carrera y nueve álbums de estudio grabados hasta la fecha. La alineación original del grupo estaba formada por Eddie Vedder (voz), Jeff Ament (bajo), Stone Gossard (guitarra rítmica), Mike McCready (guitarra principal) y Dave Krusen (batería). Actualmente el baterista es Matt Cameron, que está en el grupo desde 1998.
Formada después de la desintegración de Mother Love Bone, grupo anterior de Ament y Gossard, Pearl Jam irrumpió exitosamente en el mercado con su álbum debut Ten, aunque para llegar a ese momento atravesaron varios estadíos. Quienes primero formaron parte de la banda fueron Arment, Gossard y McCready. Eddie Vedder, proveniente de San Diego, se une tras escuchar unos demos que incluían las canciones actualmente conocidas como footsteps, black, once, alive y alone, momento en el que ya se encontraba Krusen. Así la banda debuta bajo el nombre de Mookie Blaylock (jugador de la NBA) el 22 de octubre de 1990 en el club Off Ramp de Seattle, apadrinados por Alice In Chains (banda de la cual fueron teloneros en un comienzo).
Después de frimar con Epic Records, el grupo se ve obligado a cambiar su nombre por problemas comerciales. Aquí comienzan una serie de teorías y mitos acerca del origen del nombre de la banda, que ahora ya es un símbolo en la historia musical moderna: Pearl Jam. El más famoso de los mitos proviene de Vedder mismo. Él narra cómo su bisabuela, de nombre Pearl, estaba casada con un nativo americano al que ella le preparaba una jalea (jam en inglés) hecha a base de peyote (pequeño cactus sin espinas). A pesar de ser considerada como verdadera por mucho tiempo, esta historia es en realidad una broma de Vedder.
En la revista Rolling Stone apareción un reportaje en el cual mencionan una historia diferente acerca del origen del nombre. En ésta cuentan que el grupo tenía entre sus posibles nombres la palabra "Pearl". Después, durante un concierto de Neil Young, cuentan que éste comenzó a realizar unos jams (improvisaciones) que impresionaron al grupo. En ese moemnto fue Jeff Amentt el que comentó que el grupo podría llamarse Pearl Jam, idea que fue aceptada por los demás integrantes que estaban escuchando el concierto como parte del público. Al parecer es esta la historia real, ya que son varios los miembros del grupo que la relatan.

El primer álbum de la banda sale a la luz el 27 de agosto de 1991 bajo el nombre de Ten, en homenaje a Mookie Blaylock (quien utilizaba el número 10 en su camiseta). Pearl Jam, junto a Nirvana, Soundgarden y Alice In Chains (conocidos entre los medios como El grupo de los 4), se vuelven la punta de lanza del grunge durante estos años.
Ya desde el lanzamiento del primer álbum Pearl Jam da señales de molestia contra algunas características del mundo musical, por lo que durante varios años se negaron a grabar videos promocionales de sus canciones. Este álbum está plagado de poderosos cortes melódicos que amalgamaban el hard rock 70's, el rock alternativo de R.E.M. y el proto-punk 60's con incisivas letras llenas de acritud interpretadas de manera magistral por Vedder.

El segundo álbum de la banda sale a la venta el 19 de octubre de 1993, titulado "Vs.", en el cual dejan ver algo de la ira y rabia que sienten contra los medios y todo el mundo de fama en el cual pretenden encerrarlos. Desde ese momento la relación con los medios de comunicación en general se vuelve cada vez más tensa hasta el punto de desaparecer por completo de los medios. Esta conducta se mantuvo hasta 2003 donde sorpresivamente dan una conferencia de prensa antes de su primer concierto en Ciudad de México. El disco fue tan genial como el primero, mezclando sonidos folk, rock, punk o funk y diversidad de formatos eléctricos y acústicos junto con algunas baladas.

Al año siguiente, 1994, la banda protagoniza uno de los conflictos legales más importantes de la década contra Ticketmaster (empresa a cargo de la venta de entradas). De esta manera Pearl Jam reduce enormemente los conciertos, para el lamento de sus seguidores.
En ese año también sale a la venta el tercer disco de la banda "Vitalogy", disco que sale a la venta en formato de vinilo y compacto y que alcanza números de venta increíbles. 1994 fue un año particularmente difícil para los amantes de este estilo musical por la muerte del líder de Nirvana, Kurt Cobain, lo cual está perfectamente bien expresado en este disco, aunque difícil y duro. Ante la muerte del ídolo, la gente buscaba un sustituto. En este álbum el grupo expande su estilo aunque mantiene grandes cortes de rock y sus clásicas baladas folkie.

Tras un 1995 con algunos cortocircuitos internos, el año 1996 muestra un Pearl Jam renovado y relajado, dando inicio a las sesiones para su cuarto disco, las que dan como resultado el álbum más discutido del grupo hasta ahora, el polémico No Code. Desde el lanzamiento del primer sencillo "Who you are" se pronosticaba un cambio drástico en el sonido del grupo. Experimentación es la palabra que define al nuevo disco, algo que muchos fans del grunge y varios críticos no aceptaron en el gupo. Sin embargo, el logro más grande de No Code, es que le da un nuevo impulso al grupo, reencontrando la forma de convivir con la fama sin tener que sacrificar la propuesta artística. Las canciones contenidas en el disco significan un avance en cuanto a lo venían realizando en sus discos anteriores, con un contenido mucho más espiritual en las letras y un ritmo más relajado a diferencia de la rabia de Vs o Vitalogy.

Después de las convulsiones sufridas, 1997 viene a ser un año de calma al interior del grupo. Cada uno de los miembros se dedica a sus proyectos alternos y a aparecer en diversos eventos de beneficencia. Gracias a esa calma, el grupo logra un gran ambiente artístico que se ve reflejado en las sesiones para su quinto álbum, el cual sale a la venta en 1998 bajo el nombre de Yield. Este es uno de los discos más aclamados de la banda, en él se recogen todas las enseñanzas logradas en su predecesor No Code, combinándolas con el rock duro y directo que siempre los caracterizó. De igual forma, el grupo poco a poco comienza a reabrirse a la prensa y la televisión. Ejemplo de esto es que lanzan su primer álbum en vivo oficial Live On Two Legs como así también su primer video promocional en seis años para la canción "Do the Evolution".
Como lo había hecho desde que comenzaron como grupo, Pearl Jam distribuye a su club de fans oficial un disco de colección, el famoso X-Mas Single (sencillo de Navidad). Hasta ese momento no había pasado de ser una rareza sólo para coleccionistas; sin embargo, en la edición de 1998 el grupo incluye dos versiones "Last Kiss" y "Soldier of Love". Para inicios de 1999 ambas canciones, pero principalmente la primera, comienzan a recibir una tremenda difusión por radio, gracias a peticiones masivas hechas por los oyentes.
La demanda de dichas canciones se vuelve tan grande, que el grupo decide lanzar de manera comercial el sencillo "Last Kiss"/"Soldier of Love" en 1999. Una semana después, ambas canciones son incluidas en el disco a beneficio de los refugiados de Kosovo No Boundaries, lo cual impulsa las ventas del sencillo aún más. Antes de que terminara el mes, el sencillo alcanza el número 2 en la lista Billboard Hot 100 (su sencillo que mejor puesto ha ocupado hasta 2007). Ya para abril de 2000, el sencillo "Last Kiss" se convierte en el éxito comercial más grande que Pearl Jam ha tenido hasta la fecha.

El sexto disco de la banda Binaural ve la luz en los primeros meses del año 2000.

Pearl Jam es una de las bandas, junto con Nirvana y U2, que más ha sido pirateada, encontrándose una gran cantidad de discos de recitales en vivo grabados de manera ilegal (lo que se conoce como Bootlegs en el ambiente musical). La banda era consciente de esta actividad y en cierto punto la permite, ya que decide sacar a la venta la famosa serie Bootleg Series de Pearl Jam que hasta el año 2000 estaba integrada por 72 conciertos.

Durante el año 2002 el grupo se encierra para comenzar las grabaciones de su séptimo álbum de estudio. Durante este período se anuncia la muerte de Laney Staley, cantante de Alice In Chains, producto de una sobredosis de heroína. La noticia impacta fuertemente al grupo e inspira a Eddie Vedder a escribir la canción "4/20/02" en su homenaje. La canción no se lanza hasta el año 2004, como parte de la recopilación de lados-B y rarezas del grupo llamada Lost Dogs. El álbum de estudio finalmente sale a la venta en noviembre de 2002 bajo el nombre de Riot Act, disco que no alcanza los niveles de venta anteriores logrados. Riot Act se caracteriza por un sonido más basado en el folk y la música experimental, apoyado por un órgano B3 que le da al álbum un sello inusual en el grupo en canciones como "Love Boat Captain" por ejemplo. A su vez este disco tiene textos menos crípticos que otros anteriores, alternancia entre pasajes garajeros, hard rock, pop y folk, con una atmósfera de desazón, introspección y escepticismo vital en evocaciones líricas sobre el amor, la muerte y puyas políticas contra George W. Bush.

El año 2004 es un año calmo para la banda, donde cada uno de los integrantes se dedica, principalmente, a realizar proyectos personales, aunque sale a la venta su primer disco de grandes éxitos titulado Rearviewmirror: Gratest Hits 1991-2003, así como también un disco en vivo Benaroya Hall. En esta oportunidad decidió recurrir a un formato más despojado: el clásico "semi-unplugged", ocasión de recorrer sus canciones más valiosas; con un par de guitarras, un par de miles de personas y algunos covers. La voz Eddie Vedder termina comiéndose el disco: canta desde el corazón y pega directo en el bobo.

Debido a los problemas que Pearl Jam tenía con las discográficas, y la insatisfacción que les generaban, deciden utilizar internet para lanzar varios sencillos, al principio lo hacen con algunos bootlegs pero luego también lo hacen con el corte difusión de su nuevo álbum "World Wide Suicide", sencillo que se convierte en un hito por alcanzar niveles muy altos de popularidad. El álbum es lanzado en 2006 y es titulado simplemente Pearl Jam. El disco es bien recibido entre los críticos, quienes comentan que es un retorno a sus raíces musicales.

En el año 2007 lanzan un nuevo box set llamado Live at the Gorge 05/06 y un dvd titulado Immagine in Cornice. A finales de ese año, además, Eddie Vedder graba junto a The Million Dollar Bashers un conver de "All Along the Watchtower", original de Bob Dylan, para la película I'm not there.
Durante 2008 han seguido los proyectos tanto personales como de toda la banda. Eddie Vedder realiza la banda sonora de la película Into the Wild, dirigida por Sean Penn, ganando el Globo de Oro a la mejor canción original por el tema "Guaranteed".

Ya en el 2009, salió a la venta una reedición de lujo de su álbum debut Ten. Este disco sigue deslumbrando. Su mezcla de épicos riffs de rock clásico a lo Led Zeppelin y adrenalina post-punk impacta con la fuerza de un tsunami. El remix que salió a la venta, sin ser radicalmente diferente, moderniza el sonido y lo torna más claro y agresivo, al despojarlo del reverb que daba al original un tono bombástico.
Finalmente, también en el corriente año, lanzan a la venta el noveno álbum de estudio Backspacer, con el que volvieron a alcanzar el número uno en las listas estadounidense, aunque algunos críticos lo calificaron de "demasiado pop" y "sorpresivamente optimista". Así, en esta oportunidad se alejan del grunge para adentrarse más en el pop y en el new wave y en cuanto al optimismo de las letras, Eddie Vedder comentó que la elección del presidente Barack Obama sirvió de inspiración a las mismas.
Por otra parte la revista Rolling Stone manifestó al respecto que con Backspacer Pearl Jam sigue eligiendo ese camino que había comenzado a transitar en 2006 con Pearl Jam: una vuelta consciente hacia el pasado, hacia ese sonido clásico, puro, agresivo de sus inicios. Pero Backspacer también representa un nuevo punto en la carrera del grupo, signado por la madurez musical y compositiva que lo hace poderoso y al mismo tiempo reflexivo e, incluso, melancólico.
Para subrayar la idea del retorno recurrieron a Brendan O'Brien, productor desde Vs. hasta Yield, y lograron un trabajo conciso. La guitarra de McCready pasa bien al frente en los temas más rockeros y setentosos ("Gonna See My Friend", "Got Some", el corte "The Fixer" y "Supersonic"), pero en el disco también hay elementos del pop ("Speed of Sound") y del folk ("Just Breath", una balada acústica con arreglos de violín, viola y chelo que bien podría haber sido parte de Into the Wild). La desgarradora voz de Vedder navega por completo su registro a lo largo de cada una de las canciones.
En las letras, un poco de optimismo desplazó la oscuridad y la denuncia política; sin embargo, las reflexiones sobre la muerte aún están ahí: ya no como en "Inmortality" sino ausmiendo su inevitabilidad. Así, la final (y literal) "The End" lo deja en claro ("estoy acá, pero no por mucho más") y da cuenta de que, a pesar de los intentos por volver atrás, todo se dirige hacia una misma y única dirección.

Comparados con otras bandas del movimiento grunge de inicios de los años 1990, el estilo de Pearl Jam es notablemente menos pesado y se remonta más hacia el rock clásico de los años 1970. El grupo ha citado como influencias a varios grupos de punk y rock clásico, tales como The Who, Neil Young y Ramones. El gran éxito del grupo ha sido atribuido en gran parte a su sonido, el cual fusiona los riffs del rock de estadio pesados de los 70 con el valor y la furia del post-punk de los 80, sin descuidar los ganchos ni los coros.
Pearl Jam ha ampliado su rango musical conforme avanzabas sus álbumes. Para Vitalogy de 1994, el grupo comienza a incorporar más influencias punk en su música. En No Code fue deliberado el rompimiento con el estilo musical de su álbum debut Ten. Aquí las canciones tienen elementos del garage rock, el worldbeat y la música experimental. Después del regreso al rock directo de sus primeras producciones que se da en Yield, el grupo se acerca a un rock más experimental con Binaural y al folk rock en Riot Act. El álbum del grupo Pearl Jam es citado como un regreso al sonido primitivo de la banda.
El estilo vocal de Eddie Vedder ha sido comparado muchas veces con el de Jim Morrison. Los temas de sus letras pueden ir desde los temas personales ("Alive", "Better Man") a los temas sociales y políticos ("Even Flow", "World Wide Suicide").


Fuente: wikipedia.org, www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1578.html, nadabueno.com/pearl-jam-backspacer-fixer-eddie-vedder-target.html, revista Rolling Stone número 134 de mayo de 2009, todorock.pe/2009/09/13/pearl-jam-backspacer, www.rollingstone.com.ar/nota.asp?nota_id=1178919, www.rollingstone.com.ar/archivo/Nota.asp?nota_id=632536.